Concurso | Ilustra la nueva carta de Café Comics

¿Conoce Café Comics? Lejos uno de los mejores lugares de Santiago para ir a tomarse algo y conversar ñoñedades o sólo disfrutar un tiempito. Ahora, están renovando su carta y llamando a un concurso abierto para que sea parte de ella. ¿En qué consiste?

Hacer una  ilustración, caricatura, superhéroe o el personaje de tu cómic, historieta o fanzine disfrutando de un rico café, muffin u otro producto que esté en nuestra carta. Recuerda poner tu firma a un costado.

Los mejores estarán en el nuevo diseño de la carta. Debe ser enviado en formato JPG al correo cafecomicschile@gmail.com. Con tu nombre, teléfono, dar un motivo por qué participas y colocar en asunto, “Concurso  diseño carta”.

Todos los seleccionados ganarán  premios de:

– Consumo en el café, once o desayuno para dos.

– Una polera y un tazón oficial de Café Comics.

– Un cómic de edición chilena (varios títulos a premiar).

– Una carta del café con dedicatoria especial al ilustrador.

– Y lo más importante, dejar un registro de tu talento en Café Comics.

Fecha límite de entrega 30 septiembre.

Jurado:

Alvaro Herrera, productor de EXP. http://www.exp.cl/

Catalina González, “La Comiquera”. www.lacomiquera.com

Rocco, diseñador del café cómics y dibujante  de “La vida en cómics”. http://lavidaencomic.blogspot.com/

Celeste Arredondo, Socia Café cómics. http://cafecomics.cl/

Todos pueden participar chilenos y extranjeros, no hay exigencias, sólo que dibujes y nos representes en tu dibujo.

A los seleccionados de fuera de Chile, los premios se les enviarán por correo.

Suerte a todos. Y gracias por participar.

Así que ya saben, tod@s pueden participar, sólo debes dibujar y podrás pasar a formar parte del Café. Estaré haciendo de jurado así que espero sus ilustraciones. GO!

Comentario | Man of Steel, ¿el Superman del mañana?

Más de una semana desde que vi “Man of Steel” y me ha costado bastante escribir este comentario, no porque las palabras falten, sino porque aún no estoy segura si es la película o el Superman que quería ver.

Había logrado cederle su final pensando en el futuro: este era el Superman que debía regresar hace unos años, el superhéroe del nuevo milenio, el que podría alcanzar el éxito de la trilogía de The Dark Knight, el que sin duda debiese romperla en los cines para impulsar el arranque de la Liga de la Justicia que tod@s anhelamos ver después de The Avengers.

Y lo hace, MoS tiene la tremenda habilidad de conjugar la mitología clásica del personaje pero sin caer en la nostalgia aburrida de Superman Returns, sino al contrario, llenando la pantalla de una espectacularidad que incluso a ratos es más grande que la del grupo de superhéroes de Marvel.

Pero, ¿es este Superman del mañana un buen Superman? ¿En qué momento el “ser bueno” se volvió poco cool además? Me adelanto…

La película inicia con el nacimiento de Kal El para luego presentarnos el momento en que los kryptonianos deciden condenar a su propia raza descartando la salvación que les ofrecía Jor El (Russell Crowe). Después de eso es el camino de la destrucción y de la última esperanza: Kal enfrentándose a Zod, sacrificándose por la salvación de su hijo (cuanto sacrificio tiene la película, ¿no?), Kal viajando en la nave que lo llevará al planeta elegido por sus padres, nuestra Tierra.

Ahí uno pensaría que vendrían los hechos narrados de manera lineal, la típica historia del personaje siendo niño, adolescente, descubriendo y aprendiendo a usar sus poderes pero no, desde ahí saltamos al Clark adulto (Henry Cavill) trabajando oculto en un barco hasta que se ve enfrentado a un accidente en el que define su actuar y nos dice a todos: este es nuestro héroe.

La cinta va recorriendo entonces el desarrollo de este nuevo héroe que aún no está seguro cuál es su lugar y que se debate entre los consejos de su padre terreste (Kevin Costner) de si el mundo está o no preparado para un ser como él. En medio de ello, vemos escenas del pasado que nos hablan también de esta definición.

El argumento genético de la trama es interesante, donde el villano y su maldad no es escogida ni marcada por un evento traumático, sino dada por una idea más simple pero al mismo tiempo poderosa: viniste al mundo para realizar cierta función. Las cosas no sólo pasan por una razón, sino que en el caso de Zod, te crean por un motivo. El opuesto -y el único en el caso de los kryptonianos- vendría a ser Kal El, hecho “naturalmente” y que por lo tanto tiene todas las posibilidades, puede elegir quién quiere ser, y finalmente, tod@s, al igual que Superman, nacemos así: tenemos el potencial de ser quienes queremos, de decidir qué tipo de hombre y mujer queremos ser.

Sin duda, MoS muestra perfecto una parte de lo que es el primer superhéroe, aquel que decide -aún siendo el ser más poderoso en un planeta ajeno- usar sus poderes para hacer lo mejor por la humanidad inspirando al mismo tiempo a tod@s. Pero si es así, si después de horas lo vemos sacrificando incluso a su padre por un bien mayor, ¿por qué decide ponerle fin a la vida de su enemigo? Les cedo la destrucción de una ciudad, nadie está exigiendo la belleza inocente que tenía la primera de Christopher Reeve, donde nadie muere (o cuando lo hace, es capaz de hacer retroceder el tiempo por volver a tener Lois), entiendo que el mundo ha cambiado, pero ¿es necesario que Superman mate a alguien en función de tener una mejor película? Me parece que no.

O al menos si lo hace podría haber sido también para ayudar a la trama final dejando a un Clark en conflicto para la segunda parte, pero no. ¿Cómo puede Superman matar a alguien y luego aparecer todo sonriente y feliz? No tiene sentido y me he debatido entre estas preguntas los últimos días. Porque la película entretiene, mucho. Es perfecta para encantar a una nueva generación con un personaje que solía estar a la sombra de otros más populares en el contexto actual como Batman o SpiderMan, pero ¿es este es el costo que debía pagar? Tal vez es excesivo. Habrá que ver si Snyder y Goyer -porque Nolan estaría fuera- logran consolidar lo expuesto en MoS y nos entregan una segunda parte memorable. Sin duda tienen una mejor primera parte que la tuvo Batman, ahora les toca hacer una película que permanezca con el paso del tiempo.

Entrevista | Anormalmag, Los Eternautas y LaComiquera analizamos la crítica especializada

Hace sólo unas semanas Carlos Andueza (periodista) y Camilo Mendoza (fotográfo), lanzaron Mesa Gráfica, un espacio de entrevistas que busca exponer de manera más extensa el trabajo de los diferentes actores de la narrativa gráfica chilena.

Como parte de ello, se me invitó junto a Gustavo Arismendia, parte de Los Eternautas, y Felipe Escobar, creador de Anormalmag, a conversar sobre las motivaciones de nuestros diferentes sitios así como en específico el rol de la crítica especializada.

Chicos, ¿en qué momento se dieron cuenta que algo valorable estaba ocurriendo, ya sea en los cómics como en la ilustración, y se propusieron cubrirlo en sus sitios web?

Catalina González (La Comiquera): La Comiquera.com partió como un proyecto en la universidad el año 2010. El profesor siempre nos recalcó que los sitios web que creáramos debían tratar temas que nos apasionaran. Así nació el mío, y fue el primer sitio web chileno dedicado a los cómics con una mirada femenina. Yo leo cómics desde chica y siempre visito sitios web escritos en inglés que escriben sobre cómics, como The Comic Book Girl y a DC Women Kicking Ass, y me llamaba mucho la atención que en Chile no hubiese ninguna mujer hablando de eso. Además, en 2010 había muy pocos sitios chilenos sobre cómics, y varios estaban recién despegando. Pero ninguno estaba escrito por mujeres, sólo por hombres. Me acuerdo que ya existían Salón del Mal y Nerdorama, pero no existía este “boom” de la narrativa gráfica. No se utilizaba la expresión “narrativa gráfica” tampoco. Al año siguiente, el 2011, empecé a conocer a más autores chilenos; se hizo la primera ComicCon; (el dibujante) Gabriel Rodríguez comenzaba a hacerse conocido; (la serie de novelas gráficas) “Locke & Key” obtuvo su primera nominación a un premio importante, y así se fue masificando el tema. Desde entonces, La Comiquera.com tiene hartos seguidores, tanto en Chile como en otros países. Muchas seguidoras son adolescentes, chicas que recién están entrando al mundo del cómic. En eso uno se da cuenta de lo machista que sigue siendo ese mundo. Acá en Chile, por ejemplo, todavía se sorprenden cuando me ven entrar a una tienda de cómics y me preguntan si realmente me gustan. Una mujer que disfruta de los cómics sigue siendo un bicho raro. Y en todos lados es así.

Tanto en el arte como en la ilustración y los cómics, la figura femenina juega un rol protagónico. ¿De qué manera sus sitios abordan ese rol?

Felipe: En Anormalmag, las mujeres son amas y señoras del sitio, en todo sentido. El 80% de las submissions pertenecen a creadoras mujeres; el público que participa es mayoritariamente femenino y el motivo del arte en sí, tanto en las ilustraciones como en las fotografías, es la mujer. Y no es porque yo quiera poner puras minas, como me han dicho, sino que es porque ellas participan, colaboran. De hecho, eso me hace pensar que, en términos creativos y de presentación, las mujeres son las que la llevan en este momento. Ellas poseen el estandarte de lo creativo. Por lejos. A lo mejor en el cómic su paso puede ser un poco más lento. Pero en la fotografía, por ejemplo, están haciendo de todo y le ponen mucho power. En la ilustración también. Mi sitio es un claro reflejo de eso.

Catalina: (a Felipe) Es que, claro, tu sitio aborda el tema desde un punto de vista más artístico y clásico. En los cómics es algo distinto porque éstos nacieron enfocados para un público específico, niños y adolescentes, entonces ha costado ampliar ese rango. Cuesta que se entienda el cómic como un medio que puede incluir todos los géneros posibles, como la autobiografía por ejemplo, y no sólo el género superheroico. Las novelas gráficas están ayudando a eso, demostrando que se puede hacer mucho más con el arte secuencial. Se puede contar cualquier tipo de historia, con cualquier tipo de arte, y se pueden complementar de infinitas maneras. Entonces, los cambios han sido más bien recientes, quizás en los últimos veinte años. Ahora estoy tomando un curso on-line sobre el rol de la mujer en los cómics y para la primera clase teníamos que leer “Strangers in paradise” de Terry Moore, un cómic que intenta reflejar la cotidianeidad porque Moore siempre se preguntó por qué no se escribían cómics sobre las cosas más simples de la vida, como estar enamorado de alguien por ejemplo. Entonces la historieta es casi una sitcom, pero en papel. Muchos pensaban que Terry Moore era mujer, porque retrata a las mujeres de una forma muy realista. Él es dibujante y guionista, y grafica a las mujeres con algunos detalles que una, como mujer, se fija. Si uno de sus personajes femeninos está agachado, Moore le dibuja rollitos. Hace los cuerpos más reales, no tan estereotipados y sexualizados. Creo que es algo muy bueno porque permite que los lectores se identifiquen o encuentren ecos de sí mismos en las historias. Antes, el cómic no ofrecía esa posibilidad y me parece bonito que se reflejen personas reales. En ese sentido, creo que el cómic puede cambiar la sociedad. Los cambios no dependen tan sólo de una agenda política; los productos culturales también cambian las cosas a medida que van derribando prejuicios.

¿Falta confianza, entonces, de parte de los narradores gráficos chilenos?

Felipe: Falta exposición, atrevimiento y disposición para enfrentar la crítica.

Catalina: Yo creo que falta avanzar en dos cosas: en cómo se hace y en cómo se recibe la crítica. O sea, un avance en los dos lados del medio gráfico. Porque los medios de comunicación especializados no pueden hacer crítica si los autores están cerrados a recibirla. Y tampoco funciona si los autores están dispuestos a enfrentarla y no hay nadie que les diga cuáles son sus puntos débiles o sus virtudes. Creo que debe haber un feedback equilibrado. Además, las políticas culturales deberían hacerse cargo también. Faltan recursos para hacer más actividades y más lugares acondicionados. Pero claro, hay otras prioridades más urgentes. Hay mucha pobreza, muchas personas que no tienen dónde vivir, entonces la cultura no se considera mucho.

Pueden leer la entrevista completa acá.

Un homenaje a las figuras del comic que nos dejaron en 2012

Se termina 2012 y a la hora de hacer recuentos es triste mirar para atrás y ver cuántas importantes figuras del comic nos dejaron este año. Pero al mismo tiempo, siempre es bueno recordarlas y decirles gracias por darnos mundos imaginados.

JOHN SEVERIN (26 de diciembre de 1921 – 12 de febrero de 2012): uno de los artistas más prolíficos de la industria, además de ser uno de los pocos de sus pares que trabajó hasta sus últimos años dibujando o entintando series para Marvel, DC, Dark Horse y otras. Su lista de trabajo es muy extensa para nombrarla acá, pero pudo ver su mano en MadCrackedThe Incredible HulkJourney Into MysterySavage TalesBat LashWitchfinderTwo-Gun KidThe Rawhide KidSemper FiOur Fighting ForcesCreepyEerieFrontline Combat.

Retrato de John Severin por su hermana Marie para Graphic Story Magazine #13.

 

Portada de Semper Fi #1 (diciembre 1988).
“Star-Warz”, Cracked #146 (noviembre 1977) dibujada por Severin.

 

SHELDON MOLDOFF (14 de abril de 1920 – 29 de febrero de 2012): puede que resulte desconocido para la mayoría de los lectores, pero Moldoff es uno de los pocos que estuvo en el surgimiento de la época dorada de los comics trabajando como el primer asistente de Bob Kane en Detective Comics. Así, ayudó a co crear importantes villanos de Batman como Poison Ivy y Mr. Freeze así como a la original BatGirl. Además, dibujó la primera portada presentando a The Green Lantern (All-American #16), además de Hawkman, Flash y Superman.

JEAN “MOEBIUS GIRAUD (8 de mayo de 1938 – 10 de marzo de 2012): no es fácil hablar de uno de los artistas europeos más influyentes de las últimas décadas, que dibujó y escribió algunos de los más revolucionarios comics de ciencia ficción, además de aportar su exquisita mirada en los vestuarios y sets de películas como Alien, TRON y El Quinto Elemento. Pocos artistas han alcanzado la admiración y reconocimiento de Giraud y sin duda seguirá siendo recordado por eones. Mejor dejar que su trabajo hable…

MAURICE SENDAK (10 de junio de 1928 – 8 de mayo de 2012): creador de Where the Wild Things Are, inspiró a niñ@s de todas las edades trabajando tanto en libros infantiles como sets para producciones musicales, libros ilustrados, portadas de albums, y más. Su relación con los comics vino desde joven, creando una tira para el diario de su colegio y trabajando más tarde en All-American Comics. Su obra influyó en muchos otros artistas y seguirá haciéndolo.

TONY DE ZUÑIGA (8 de noviembre de 1941 – 11 de mayo de 2012), fue uno de los primeros filipinos en entrar en el mercado norteamericano, co creando a Jonah Hex junto al guionista John Albano además de trabajar en Conan el Bárbaro en Marvel. Por otro lado, dibujó una serie de personajes populares como Thor, los X-Men, Batman, Dracula, Iron Man y Spiderman. Incluso, De Zuñiga es uno de los pocos que puede sumar haber trabajado por diez años en la industria de videojuegos, como diseñador conceptual en Sega.


RAY BRADBURY(22 de agosto de 1920 – 5 de junio de 2012): después de Moebius otra leyenda de la ciencia ficción nos dejó. Autor de obras eternas como Crónicas Marcianas y Fahrenheit 451 su contribución es vasta no sólo en la CF sino en todos los ámbitos del entretenimiento, incluidos los comics. En los cincuenta, 27 de sus historias fueron adaptadas para EC Comics, las cuales más tarde fueron recopiladas en ediciones que incluían portadas del artista Frank Frazetta. Reconoció muchas veces ser fan de las viñetas, enamorándose de ellas a los tres años y siendo influenciado en especial por Buck Rogers y Tarzán. Su trabajo fue presentado en adaptaciones autorizadas como Fahrenheit 451, que cuenta con su introducción y se alza como un gran ejemplo de su prosa perfecta para ser llevada a imágenes. “The thing about my books is, they’re all graphic novels”.

THEMO LOBOS (3 de diciembre de 1928 – 24 de julio de 2012): sin duda uno de los más grandes autores de comics chilenos. Su trabajo como dibujante, guionista y editor ha sido reconocido tanto por lectores como por creadores que fueron motivados por sus historias. Su obra más popular, Mampato sigue calando en el imaginario nacional y expandiéndose desde el fin del mundo.

JOE KUBERT (18 de septiembre 1926 – 12 de agosto de 2012): Yosaif Kubert llegó desde Polonia a Estados Unidos y a los 14 años ya estaba de asistente en The Spirit para Will Eisner. Su gran salto vino en el 44 al dibujar Hawkman para All-American Comics pasando más tarde a consolidarse con sólo 20 años y sin detenerse durante décadas.

SPAIN RODRÍGUEZ (2 de marzo de 1940 – 28 de noviembre de 2012): considerado uno de los nombres más importantes del comic underground (conocido como comix), pudo manejarse con talento tanto en la ciencia ficción como en las historias heroicas, de guerra, crítica social y la dramatización de sus propias experiencias. Además de crear a Thrasman en Zodiac Mindwarp, realizó muchos trabajos de no ficción, retratando la vida de figuras como Joseph Stalin y el Che Guevara.

Spain junto a sus compañeros artistas Robert Crumb, Paul Mavrides, Victor Moscoso y S. Clay Wilson reunidos para trabajar en Zap #14 en 1998.

 

 Gracias por las imágenes eternas y nos vemos en los sueños.

Review | "Arrugas" y el lugar irrevocable que es envejecer

“Dicen que cuando te miras en el espejo y empiezas a parecerte a tu padre es que te estás haciendo mayor. Mi reflejo empieza a parecerse a mi padre y mi padre se parece ya a la imagen que recuerdo de mi abuelo”.

Hace mucho tiempo que quería leer “Arrugas” de Paco Roca, había leído muy buenos comentarios pero sentía que como una obra que ya era precedida por grandes críticas debía comprarla y leerla de una vez. Pero el dinero siempre es escaso para tener todos los libros que uno quisiera y entre prioridades y oportunidades siempre parecía quedar para después.

No fue hasta que mi amigo Fabián lo adquirió y sin dudarlo entró en nuestro #truequecomiquero, un gran sistema que decidimos instaurar y al que se han sumado más personas. Quién no tiene una mala historia de prestar un libro y recuperarlo, con suerte, dañado o para nunca más verlo. Así, le pasé un tomo del maravilloso Jason, y él Arrugas.

En ella, Emilio -un antiguo ejecutivo de banco- es dejado en una residencia para mayores por su hijo. Ahí, su mundo es trastocado y se enfrenta, aunque acompañado, contra el descenso inevitable del Alzheimer. La historia es sencilla, las anécdotas están contadas con la cotidianidad y la simpleza de aquel que se ha detenido a escuchar a la vejez, a mirarla a la cara sin caer en el melodrama ni en la lágrima fácil, sino en el tono respetuoso e incluso humorístico de ese lugar irrevocable para todos que es envejecer.

Roca maneja con sutileza y empatía a cada uno de sus personajes, desde el compañero de habitación fiel y escéptico de Miguel, a la mujer que cada día espera un viaje a Estambul mientras mira por la ventana intransmutable del hogar, o a la pareja de ancianos que parece unirlos algo más allá de toda lógica y que sigue anhelándose aún cuando vivan en tiempos distintos, o la señora que no puede andar sola por el miedo constante a ser raptada por extraterrestres.
Cada una de las personas de esa casa nos habla a todos, ya sea desde el recuerdo de un abuelo o abuela que perdimos o tememos perder, o de la simple incertidumbre de llegar hasta ahí y mirarnos al espejo para vernos viejos también.

El arte de Roca no necesita de grandes trucos más allá del talento tan escaso  a la hora de dibujar la expresividad del gesto preciso, la pausa justa, las viñetas sin texto ni dibujo que nos hablan del silencio horroroso de los recuerdos que se esfuman como un par de trazos en una página.

¿Qué somos cuando hemos sido olvidados, cuándo ni siquiera somos capaces de recordarnos? Arrugas, tal vez irónicamente, es un potente recordatorio de que las historias más simples pueden ser las más memorables.

Arrugas, Editorial Astiberri, US$ 23,72

¿Una razón más para culpar al editor Dan Didio? Wonder Woman podría haber tenido su Earth One escrito por Greg Rucka y dibujado por J.H. Williams

Ay por Hera que malas decisiones editoriales. Desde DCWomenkickingAss llega la noticia de que Wonder Woman iba a tener su Earth One escrito por Greg Rucka y dibujado por J.H. Williams. Para pegarse un tiro:

I, at one point, was supposed to write Wonder Woman Earth One like they did with Superman and Batman. JH [Williams] was going to draw it.

El proyecto de todas formas va, pero ¿qué pasó? Rucka nos cuenta:

I was told I was not going to do it. Dan Didio called me and told me he was giving it to someone else. And I said if you take that away from me I can no longer work for you because I have taken many a job for you, sir, on the promise of doing this and now you’re taking it away and I can no longer accept your promises any more. He had his reasons for doing it; this is not me throwing stones. This is just the way things shook out.

Lea “someone else” como Grant Morrison. El artista -se rumorea- sería Yanick Paquett. En caso de que no sepa o lo haya olvidado Rucka fue el guionista de Wonder Woman entre los números 195-226, también de la maravillosa novela gráfica del personaje The Hiketeia. Además, trabajó antes con J.H.Williams en el primer arco de Batwoman, en su primera aparición en Detective Comics.

¿A qué voy? Ambos han entendido y trabajado de manera brillante personajes femeninos poderosos e inspiradores como Batwoman y en el caso de Rucka de Wonder Woman por lo que no entiendo por qué el cambio si puedes tener a un equipo que puede volver a poner a WW en el lugar que se merece. Voy a ir a llorar un ratito por lo que pudo ser…