Creador de Mafalda es reconocido en Chile en el marco de exposición Quino por Mafalda

Hoy fue un día hermoso y el creador de Mafalda, Quino, llegó a Chile para recibir la Orden del Mérito Artístico y Cultural Pablo Neruda por parte del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes y de manos de la Presidenta de la República Michelle Bachelet.

El reconocimiento fue creado por el Consejo de la Cultura en el año 2004 con motivo de la conmemoración de los cien años del natalicio de Pablo Neruda (12 de julio de 1904) y es concedido a aquellas figuras nacionales e internacionales que han destacado por aportes realizados en el ámbito del arte y la cultura. “Un reconocimiento como el que entregamos hoy no es para quienes solamente han destacado en el camino del arte, sino es para aquellos que marcaron el camino e incluso lograron con su esfuerzo cambiar sino el mundo, al menos el discurso de la propia cultura. Gracias Quino”, declaró la Ministra Claudia Barattini.

En el emotivo encuentro la Presidenta reconoció su admiración por el dibujante y la pequeña niña de melena oscura que el 2014 cumplió 50 años. “Su obra es parte del imaginario colectivo de Argentina, de nuestro país y del mundo entero. El trabajo de Quino es una invitación a mirarnos a la cara, con la historieta como fondo. Para mí como admiradora y amplia lectora de Mafalda, es un honor entregar este reconocimiento. No perdamos la Mafalda que llevamos dentro”, enfatizó Michelle Bachelet.

Carmen Romero por su parte señaló: “Este es un trabajo colectivo, un trabajo en el que todos aportan su granito de arena. Como lo hemos señalado durante este festival la invitación para todos es ¡Ahora es cuando! Ahora es cuando el arte y la cultura debe estar al centro de la vida de todas las personas”.

Emocionado por el reconocimiento y el cariño de nuestro país, Quino agradecióa los presentes y reconocióque su creación tuvo como objetivo instalar los problemas que atañen a todos. “Al igual que Mafalda, sigo sin entender porque no cuidamos más este planeta”, dijo el dibujante. Asimismo, especuló sobre lo que la pequeña niña reclamaría por estos días: “Mafalda reclamaría hoy lo que viene reclamando desde hace años, es decir, que seamos más sensatos”.

En la actividad participaron ilustradores, artistas, embajadores y admiradores del dibujante. Entre ellos una decena de niños de las comunas de La Granja, Puente Alto y Recoleta, que gracias al programa Pequeñas Audiencias de Laboratorio Escénico conocieron a Quino, conversaron con él y le comentaron sus impresiones de Mafalda y sus amigos.

La exposición Quino por Mafalda permanecerá abierta hasta el 1 de febrero en la Sala de Artes Visuales del Centro GAM.

Coordenadas Exposición Quino por Mafalda
Lugar Sala de Artes Visuales, Centro GAM. Av. Libertador Bernardo O’Higgins 227. Stgo.
Fechas
3 de enero al 1 de febrero, 2015
Horario
Martes a Sábado, 10 a 21 horas. Domingo de 11 a 21 horas. Lunes cerrado.

A continuación una galería de la ceremonia. Crédito: Agencia Uno.

EL DESEO DE AÑO NUEVO DEL INCREÍBLE NEIL GAIMAN

Como cada año, espero en estos días el deseo de un nuevo año de Neil Gaiman. Antes todo fue sobre cometer errores, aprender y hacer cosas. Ahora, todo se trata de perdonar a otros y perdonarnos, ser buenos con nosotros, entender al otro, hacer que nuestro tiempo cuente, hacer cosas y sacarlas al mundo para que puedan disfrutarlas, abrazar, sonreír y amar mucho.

Les dejo a Neil:

Be kind to yourself in the year ahead.
Remember to forgive yourself, and to forgive others. It’s too easy to be outraged these days, so much harder to change things, to reach out, to understand.
Try to make your time matter: minutes and hours and days and weeks can blow away like dead leaves, with nothing to show but time you spent not quite ever doing things, or time you spent waiting to begin.
Meet new people and talk to them. Make new things and show them to people who might enjoy them.
Hug too much. Smile too much. And, when you can, love.
Feliz 2015 chic@s, sigan soñando, sigan imaginando y creando un mundo mejor por estar en él.
Un abrazo a tod@s.

Comics que leer antes de morir: The Sandman

Algunas cosas no cambian. La gente ama, muere, sueña, destruye, desespera y enloquece. Cumplen su destino, viven el curso de sus vidas.

Hace mucho tiempo quería hacer una sección donde revisara sólo obras significativas, memorables y eternas, aquellas que cambian las cosas, que te ofrecen un nuevo punto de vista o reemplazan viejas ideas, que te remecen o simplemente te conmueven.

Hay una serie de libros hechos con la promesa de que aquello que te están recomendando debe ser experimentado antes de morir, así que por qué no hacer lo mismo pero en modo infinito (me gusta pensar que la Internet no tiene límites, aunque yo muera y este sitio quede sólo como parte de una memoria inmaterial). Acá irán las obras que sigo amando después de años o las que voy descubriendo que valen la pena, es probable que la mayoría sean novelas gráficas o series que ya finalizaron, de modo que puedan buscarlas y leerlas hasta el final.

Y una sección así sólo podría partir con la obra más importante de mi vida: THE SANDMAN.

Lo he dicho antes, me es imposible escribir de esta obra sin mezclarla con mi propia historia. The Sandman llegó justo después de que un primo hermano muriera a los 19 años. Su hermano me mostró la historia de Destino y con quince años sentí que las cosas tenían un poco más de sentido, y al mismo tiempo, otras preguntas dejaron de rondarme.

Después de esas pocas páginas recopiladas en The Endless Night descubrí que existían mundos maravillosos y comenzó una de las lecturas/aventuras más ricas de mi vida. Primero la leí en español y en digital, aún no manejaba tan bien el inglés y menos para el nivel que utiliza Neil Gaiman; y en digital porque en Curicó aka Smallville no llegaban esos títulos para comprarlos ni menos a la biblioteca.

The Sandman se lanzó en 1988 a través del sello Vertigo, la línea para lectores maduros de DC Comics e incluyó en su primer número referencias a la Liga de la Justicia y a su antigua versión. La serie se centra en Sandman, Morfeo, la representación antropomórfica de Sueño, y sus hermanos Destino, Muerte, Sueño, Destrucción, Deseo, Desesperación y Delirio. Estos siete personajes componen a los Eternos, que no son reyes ni dioses sino la personificación de tales conceptos.

The Sandman es de esas historias que si amas, más allá de no dejarla te marcan. Como esos libros que alguna vez leíste cuando niño o adolescente y nunca olvidaste, de esos que definieron lo que querías hacer. De ese tipo de comic estamos hablando aquí. Aquellos que se quedan siempre presentes, que te hacen mezclar la realidad con la ficción, o que te hacen desear que nuestro mundo sea como el de las historias.

En cuanto a su estilo, no es fácil catagorizarlo, durante sus 10 tomos -más los especiales-, pasan decenas de dibujantes. De dibujos cargados de detalles, de simples trazos, de colores luminosos a pasajes oscuros, la serie cuenta con una variedad maravillosa. Sin duda, además de su historia, es una maravillosa muestra del talento de los artistas de una época así como del potencial del medio y la alquimia hermosa que puede obtenerse cuando mezclas una gran historia con un gran dibujo.

Así, The Sandman terminó convirtiéndose en una especie de biblia. Un texto al que siempre vuelvo y que siempre parece tener la palabra acertada y precisa para nombrar lo que siento, traspasando emociones e ideas en imágenes imperecederas. Cada cierto tiempo abro algún especial como El Alto Coste de la Vida o el mismo Noches Eternas y me sumerjo en el increíble mundo que creó Neil Gaiman.

Gaiman, un hombre con una creatividad y genialidad increíble. El creador de Coraline, American Gods y tantos otras novelas, que alcanzó su mejor trabajo en The Sandman, evolucionando en cada número y logrando instalarse como un artista que de seguro ha inspirado muchas otras historias. Porque Gaiman más que crear superhéroes, historias fantásticas, aventuras y acción, creó un verdadero universo, un universo con imágenes eternas y brillantes.

Sandman es por lejos mi historia favorita, como si los eternos me dijeran algo que aún no puedo precisar. ¿Será que todo parece tan irreal que al final lo que más tenemos a mano, de lo único que podemos aferrarnos son las historias de otros? ¿Será que Muerte nos da más esperanzas que los Dioses en los que nos han querido hacer creer? ¿Será que Deseo es tan potente como para quedarse en nuestro corazón y desde allí jugar con nosotros?

De alguna forma, cuando lees The Sandman vas descubriendo ecos de ti y aunque suene cliché, te vas conociendo un poco más. Porque hey, después de todo, hay sótano en todos.

“When the first living thing existed, I was there, waiting. When the last living thing dies, my job will be finish. I’ll put the chairs on the tables, turn out the lights and lock the universe behind me when I leave”.

“Look, I’m sorry it’s over too. But good things have to end; stories have to end. It’s what gives them meaning. You know that too”.

Review: El manga de Nausicaä del Valle del Viento

La mayoría de nosotros ha de conocer la película Nausicaä del Valle del Viento (1984), como buenas y buenos seguidores que somos de Miyazaki. Sin duda es una de sus obras importantes (para varios de nosotros todas las son), ya que gracias a su éxito se creó el estudio Ghibli. Además, es la primera que lleva netamente el sello del director japonés, anteriormente había dirigido Lupin III y el Castillo de Cagliostro, pero no es lo mismo, se entiende.

El que quizás se conoce un poco menos (casi siempre como referencia, pocas veces directamente) es el manga que inspira a la película, realizado entre 1982 y 1994. La película abarca algo así como 1/5 del cómic. Y en realidad, 12 años de trabajo dan para pensar en que se trate del opus magnum de Miyazaki. También permiten explicarnos algo de la complejidad que alcanza la historia de Nausicaä, desplazándose mucho más allá de la trama que vimos en la película. Sin embargo, el espíritu es el mismo, y el ánimo crítico es más potente aún.

primera
La influencia de Duna parece evidente por los gusanos Ohmu y el mesianismo, pero también se ven influencias de la saga de Terramar.

Hace un año, pude hacerme con una edición norteamericana del manga en bookdepository. Ahora se me ocurrió que sería interesante repasar algo de su historia, observar algunas de sus características –diferencias entre película y cómic–, y señalar un par de curiosidades.

 ???????????????????????????????

Como ven, se trata de dos tomos en una cajita, pesando la módica suma de ¡3 kilos! Se lee de derecha a izquierda, al estilo japonés, y se acompaña de varias páginas con ilustraciones a todo color, mapas y una reseña sobre el crecimiento de un hongo muy particular. El manga en sí mismo es de 1104 páginas, y nos cuenta sobre una humanidad futura, “castigada” por su orgullo y violencia a vivir junto al mar de la corrupción, un bosque colosal y tóxico. Han pasado más de mil años desde los siete días de fuego, un evento que exterminó a gran parte de la vida terrestre, dejando poquísimas tierras fértiles y humanos capaces de trabajarlas. Asimismo, se ha perdido gran parte de la tecnología y el conocimiento capaz de producirla, por lo que la gente cuida y repara la que posee, ante todo, aviones y armas.

La historia empieza presentando a Nausicaä, una joven que tiene una relación especial con el bosque tóxico, respetando todas las formas de vida de un modo algo incomprensible para el resto de las personas, que teme y reacciona violentamente ante los insectos y ohmus que salen del mar de la corrupción por un motivo u otro. Nausicaä es princesa del Valle del Viento, uno de los pequeños reinos ubicados al norte de la tierra conocida. Esos reinos pertenecían a Eftal, un reino mayor, pero fue engullido por el bosque tóxico en un daikaisho (especie de crecimiento explosivo del mar de la corrupción), dejando a estos reinos menores con cierto grado de independencia.

???????????????????????????????

Los pequeños reinos de la antigua Eftal, ubicados entre el óceano de sal y el bosque tóxico, tienen ahora una relación de vasallaje con Torumekia, reino mayor enfrentado en una guerra ascendente con el imperio Dorok (constituido de tribus regidas por un emperador sagrado), ubicado al sur. Así, por compromiso político, Nausicaä debe partir a la guerra en nombre de su pueblo, acompañando a la princesa Kushana, hija menor del emperador de Torumekia. Kushana y su ejército vienen de haber destruido completamente Pejitei, pues allí se encontró un dios de la guerra en fase de crecimiento, arma perfecta para aplastar al imperio Dorok, aunque se perdió el artefacto necesario para despertar al monstruo (Asbel, príncipe de Pejitei, huyó con él).

Pronto empieza a quedar la escoba, porque los monjes guerreros de Dorok, mediante el conocimiento científico que les otorga la Cripta de Shuwa -un lugar en donde los antiguos humanos dejaron guardado todo el conocimiento antiguo- crean un ohmu artificial que utilizan como carnada, cosa de enfurecer al resto de los gusanos y aplastar con ellos al ejército de Torumekia. Aquí comienza el periplo mesiánico de Nausicaä, que dispuesta a sacrificarse por el ohmu logra controlar la situación, comunicándose con los gusanos y ganando el respeto tanto de gente de Torumekia (el ejército de Kushana) como de Dorok (la tribu Mani), calzando además con distintas profecías que señalan la llegada de una especie de ángel salvador.

Este ángel vestido de azul vendría a purificar la tierra, tal como ya lo hizo una vez.
Este ángel vestido de azul vendría a purificar la tierra, tal como ya lo hizo una vez.

Hasta aquí llega la película –vamos recién pasados de la página 200 en el manga–, y a pesar de que en ella Kushana intentó usar al dios de la guerra, en el manga esto no ocurre, pues el emperador sagrado de Dorok es quien logra hacerse con él. Vale la pena explicar que el imperio Dorok se compone de múltiples tribus, regidas por monjes guerreros, aunque conquistadas hace unos 200 años por el padre del emperador actual, quien barrió con todo el conocimiento religioso anterior (dentro del cual está la profecía sobre Nausicaä, ahora una creencia pagana entre el bajo pueblo y algunos monjes rebeldes).

El hermano del emperador y el emperador, aunque el primero es quien realmente gobierna, a causa de sus poderes telepáticos, los cuales le dan supremacía en el ámbito religioso-político.
El hermano del emperador y el emperador, aunque el primero es quien realmente gobierna, a causa de sus poderes telepáticos, los cuales le dan supremacía en el ámbito religioso-político.

Luego de aquel primer momento crítico, en el cual Nausicaä observa los crímenes y despojos de la guerra, comienza un largo viaje por los territorios en conflicto, a fin de comprender lo que está ocurriendo y colaborar en su resolución. Así, la princesa del valle del viento nunca pierde su independencia, moviéndose de un lado a otro de la guerra, conociendo y dándose a conocer entre gente de Torumekia y Dorok, así como entre otras tribus, como la enigmática gente del bosque –grupo que aprendió a vivir en el bosque tóxico, desarrollando una relación de entendimiento y respeto con él y sus criaturas.

Pero atención, que Nausicaä no es la única voz en esta obra, ya que paralelamente observamos otras historias y su desarrollo: la del maestro Yupa, Asbel y Ketcha; Kushana y su ayudante Kurotowa; el monje Charuka y el pequeño Chikuku; entre otros personajes que a través de sus descubrimientos ayudan a obtener una comprensión más acabada del mundo en que se desarrolla la acción y de la trama en sí misma.

La gente del bosque parece ser la más civilizada, espiritual y ecológica de la historia, aunque guardan un gran secreto.
La gente del bosque parece ser la más civilizada, espiritual y ecológica de la historia, aunque guardan un gran secreto.

Sin afán de contar mucho más de la historia, para no caer en el spoiler gratuito, hay que mencionar que en Nausicaä del Valle del Viento hacen aparición todos los grandes temas y elementos de la obra de Miyazaki, que tanto nos maravillan en sus películas. Personajes multidimensionales en general y mujeres excepcionales en particular, la posibilidad de redimirse, así como interesantes desarrollos de la magia y de la ciencia, se desatan en una historia de gran profundidad ecológica y espiritual, en una alegoría sobre el mundo actual, su industrialización y tecnologización, las triquiñuelas del poder y la violencia, en definitiva, sobre la insensatez humana. Y hay muchos, muchos, muchos aviones.

???????????????????????????????
Ojo, que la edición trae todos efectos de sonido traducidos también, pero en un apéndice al final de cada tomo, para no interferir en el diseño de las viñetas [en este caso, se trata de las viñetas 5 y 6]

???????????????????????????????

Para finalizar, dos curiosidades:

Al momento de salir al mercado estadounidense, la película de Nausicaä fue brutalmente cortada (alrededor de 22 minutos) y la trama fue alterada a través del doblaje, cosa de hacerla más “accesible” a los niños. La portada del VHS es decidora, pues relega a la protagonista al fondo, dejando en el centro al dios de la guerra, montado por un, ejem, cof, dios de la guerra, junto a dos personajes que no salen en la película (aunque uno de ellos puede ser Asbel, príncipe de Pejitei). A la izquierda hay una especie de policía motoquero del oeste sobre un pegaso, otro absurdo. Nausicaä a lo lejos, pues ¿quién querría ver una película con una niña como protagonista? No los ejecutivos estadounidenses de los ochenta, se los aseguro.

Luego de esta falta de respeto el estudio Ghibli fue muy severo en su política de no permitir cortar sus películas en los lanzamientos internacionales de las mismas.
Luego de esta falta de respeto el estudio Ghibli fue muy severo en su política de no permitir cortar sus películas en los lanzamientos internacionales de las mismas.

La segunda curiosidad es que el otro día vi una entrevista a Miyazaki en la cual contaba que Hideaki Anno (creador de Evangelion y animador de la película de Nausicaä) le pedía hacer la segunda parte de la historia. Miyazaki le respondió que no lo veía factible, porque ello implicaría mucho trabajo y ya está viejo para esas cosas, por lo cual le dio su beneplácito para hacerlo.

¿Querrá esto decir que tendremos una segunda parte animada de Nausicaä? Sería realmente hermoso, tomando en cuenta todos los derroteros que toma la historia desde donde la dejó la primera película. Además, Anno no es ningún gato loco, pues trabajó en la primera adaptación, y además un live-action sobre los siete días de fuego se estrenó junto a la última película de Evangelion. ¡Brindo entonces por la posibilidad!

Dios de la guerra en live-action... ¿se viene Nausicaä 2?
Dios de la guerra en live-action… ¿se viene Nausicaä 2?

La clase magistral de Scott McCloud: “Tenemos el derecho a crear nuevos mundos”

El seminario “Lecturas de Juventud”, organizado por el Ministerio de Educación, a través del Plan Nacional de la Lectura, las facultades de Educación, y de Comunicación y Letras de la Universidad Diego Portales, y la editorial Ekaré Sur, tuvo al cómic como invitado clave. Además de autores y editores de literatura infantil y juvenil, dibujantes y guionistas de cómics destacaron en charlas y presentaciones. No en vano, el invitado principal al seminario fue Scott McCloud, destacado autor de cómics y uno de los principales teóricos de la narrativa gráfica.

Cuando se anunció su visita, hubo alta expectación. Los cupos se agotaron y hubo mucha gente que no pudo asistir, sobre todo si consideramos el horario, un miércoles a las 12:30, complicado para muchos mortales. Además, el programa indicaba transmisión vía streaming, la que lamentablemente (ha trascendido que por petición del propio McCloud) no se llevó a cabo.

Pero, ¿cómo estuvo la clase magistral de Scott McCloud? La respuesta es simple. Magistral. Es un espléndido orador y apoyado por una presentación simple, atractiva y con buenísimos ejemplos, repasó conceptos y postulados que muchos ya conocíamos de sus libros (de hecho, la charla fue como un Greatest Hits), y lo hizo de una forma seductora y entretenida, sobre todo teniendo en cuenta que si bien el público era mayoritariamente aficionado al cómic, su presencia se enmarcaba en un seminario de literatura infantil y juvenil, por lo que parte del público no estaba particularmente familiarizado con la historieta, ni menos con el trabajo de Scott McCloud.

El cómic y el arte de la comunicación visual

Ése era el título de la charla y el texto de la primera diapositiva de McCloud, quien partió llamando a ver al cómic como un arte independiente y no como un arte menor de la literatura. Ok. Podremos decir que eso es de perogrullo, pero en un seminario de fomento lector, no estaba demás que lo planteara una autoridad en la materia.

Luego, a modo de introducción, mostró dos puntos y una línea lo que todos vimos como una cara.

cara

Después, esa línea y puntos dio paso a imágenes de este tipo:

caras

¿La idea? Plantear que los humanos tenemos una tendencia a vernos y ver el mundo de manera simplificada, y mucho de eso tiene el cómic. ¿Por qué? Simple, porque en el cómic se escribe con imágenes.

El lenguaje visual

En este punto, McCloud se centró en que las imágenes usadas para comunicar algo, por abstractas o simples que sean, deben ser precisas. Ejemplificó con infografías mal hechas, destacando una de “en caso de incendio, use las escaleras”, en las que, dependiendo del realizador, se interpretaba al personaje huyendo, saltando, tropezando, en fin. ¿Por qué usó una infografía y no un cómic? Porque planteó que hoy es más importante que nunca tener claro que nuestro mundo es visual y que vivimos una revolución de la iconografía visual.

Profundizando ya en el cómic propiamente tal, parte fundamental de la precisión en el relato que queramos contar, lo dan las caras y cómo muestran los estados de ánimo de los personajes. Aquí, McCloud proyectó una lámina con las 6 expresiones que él considera las “primarias”, haciendo la analogía con los colores. Es la misma de su libro “Hacer cómics”.

scott

Al combinarlas y matizarlas, podemos tener un sinnúmero de expresiones. Definir bien lo que nuestro personaje está viviendo, nos ayudará a dibujar su expresión de forma más precisa.

scott 2

Para encontrar la expresión más cercana, Scott mostró un “mezclador de expresiones” conocido como “Grimace Project”, bastante útil para ver entre qué expresiones y en qué niveles de éstas se mueve nuestro personaje.

El arte secuencial

Uno de los conceptos que podrían llegar a ser “polémicos”, fue cuando definió al cómic a partir de 2 o más viñetas que cuentan una historia. Ahí quedaron los de una sola viñeta, como el humor gráfico o mis propios “CuenTwits”. Su definición es entendible, porque McCloud es heredero de Will Eisner quien definió al cómic como “arte secuencial”.

scott 3

Así, establece que el cómic funciona como “mapa temporal” de una historia. Una imagen tras otra, una viñeta tras otra, se narra una historia. De ahí, el concepto “narrativa gráfica”. Es decir, es clave que el cómic sea una historia narrada gráficamente.

scott 4

Al final de la charla, una profesora le preguntó cómo podía evaluar de mejor forma un cómic, ya que ella siempre lo había visto desde el punto de vista de una profesora de lenguaje y desde las letras. Él le recomendó profundizar en el lenguaje visual de los cómics, en títulos que precisamente no tuvieran textos pero que sin embargo narraran una historia. Le recomendó leer (sí, leer) “The Arrival”, de Shaun Tan.

El lienzo infinito

En los tiempos en los que el cómic no es exclusivo del papel y que día a día aparecen más webcómics, planteó que las posibilidades en la web son infinitas y que debemos aprovechar el potencial que nos da tener un “lienzo infinito”. El llamado es a salirse de los límites. Compartió este cómic hecho por una chica de 17 años Like an Artist.

McCloud plantea que podemos tomar la pantalla del computador, el teléfono o tablet, como una ventana a través de la que seguimos la historia.

lienzo infinito

La historia debe seguir una línea que, al tener un lienzo infinito, el recorrido visual de la historia puede tener formas distintas a las típicas que tendría en el papel. La idea es hacer intuitivo y simple el seguimiento de las historias y que el lector no se distraiga ni se entrampe buscando dónde cambiar la página ni nada.

Aquí, algunos ejemplos:

  1. PoComUna historia en la que el recorrido va siendo guiado por flechas y permite una navegación para ir conociendo pequeñas sub historias.
  2. His face all red: Una historia cuyo recorrido es bastante similar al de un cómic tradicional, cuyas páginas son más largas, permitiendo bajar con el scroll y que tienen claramente identificado dónde clickear para pasar a la siguiente página.
  3. Pup: Aquí partimos con un recorrido que baja hasta encontrarse con una viñeta horizontal que muestra a un perro sentado en la puerta de una casa. Luego, seguimos hacia el lado y paf: la casa y los límites de la viñeta desaparecen, llevándonos en un viaje por el infinito, literalmente.
  4. The Right Number: El lienzo es infinito no sólo horizontal, vertical o diagonalmente. También en profundidad. En este ejemplo, vamos entrando de una viñeta en otra.
  5. The Worm World Saga: Un ejemplo de una historia hilada hacia abajo y que podemos seguir sólo oprimiendo la flecha hacia abajo.
  6. Our Toyota was fantasticEste cómic sigue la tendencia de navegar simplemente bajando la flecha, pero su gracia está en ocupar una animación muy simple para realzar la sensación de viajar de noche en un auto, tanto en movimiento como en iluminación.

El llamado de Scott McCloud en esta parte de su charla fue a: “liberar el diseño de los cómics en el siglo 21”.

Hay otros ejemplos de este llamado que se me vienen a la cabeza. El premiado “Building Stories”, de Chris Ware, una caja llena de láminas con pequeñas historias cortas que nos contaban una gran historia. O acá en Chile Lado B de Alfredo Rodríguez, que partía con una carta con un sobre físico y que además tenía otros elementos físicos que descolocaban gratamente al lector. Y en la misma sintonía de “Our Toyota was fantastic”, está el webcómic Pandemia, de Bastián Brauning, que también presenta viñetas en formato animado y que suma música a la experiencia de lectura.

Todos estos ejemplos, creo que simplemente buscaron abrir las mentes de los asistentes a la charla, mostrándoles que pese a que hay reglas, no siempre las hay. A que por mucho que él intente establecer un marco teórico sobre el cómic, nunca habrá una sola verdad, porque el cómic es un lenguaje más complejo y rico de lo que muchos imaginamos.

Sobre qué pasa si alguien hace un webcómic pensando luego lanzarlo al papel, planteó la importancia de velar por la experiencia de lectura en ambos medios. De hacer fluido el leer y que más de alguno iba a tener doble trabajo.

Crear nuevos mundos

Así, después de el bombardeo de ejemplos, ya era hora de bajar las revoluciones y empezar a cerrar. Para esto, se proyectó la foto de una joven sentada en el pasto, simplemente leyendo un libro. “Cuando la tecnología cambia, hay cosas que no… la necesidad de historias”.

Luego soltó una frase que encontré maravillosa: “Nosotros no elegimos el mundo en que nacimos. Tenemos el derecho a crear nuevos mundos”.

La charla terminó en medio de los aplausos de una audiencia cautivada por los conceptos de uno de los grandes referentes y que para muchos de los asistentes, ha sido un verdadero profesor a través de sus publicaciones. Personalmente, disfruté mucho la instancia. Pude hablar un ratito con él una vez finalizada la charla. Me firmó el “Hacer cómics” y le regalé uno de mis fanzines de “CuenTwits”, que curiosamente tienen una viñeta y no encajan en su definición de cómic. Ahora, ¿por qué no pensar que en cierta forma –citándolo– “estoy liberando el diseño de los cómics en el siglo 21”?

Su próximo libro

Una vez terminada la charla y en el marco de las preguntas, adelantó que en febrero lanzará su próximo libro. Una novela gráfica de 500 páginas, llamada “El escultor” y que tardará un par de meses más en editarse en español. Aquí, un video que subió recién y que nos adelanta cómo se viene.

Palabras al cierre

Obviamente, la experiencia de presenciar la charla no es lo mismo que leerla. Espero haberles podido compartir parte de su contenido de la mejor forma posible, refrescando la memoria de quienes asistieron y saciando la curiosidad de quienes se perdieron la visita de uno de los grandes referentes del cómic mundial: el gran Scott McCloud.

Crédito imagen: Universidad Diego Portales.

Batwoman, uno de los personajes femeninos más interesantes de DC Comics es cancelada

Acabo de leer en dcwomenkickingass que Batwoman fue cancelada por DC Comics hoy -viéndose reflejado en marzo- y qué pena más grande. La mejor serie tras el reboot que hicieron hace un tiempo, fue bajando en las ventas y el mes pasado vendió 15.700 copias, muy por debajo de las 25.000 un mes antes cuando uno de sus creadores, J.H. Williams dejó la historia.

El personaje, reinventado en conjunto con Greg Rucka, ha pasado por diferentes cambios luego de que Williams y Haden Blackman dejaran la serie en 2013 debido a la negativa de DC Comics de dejar que Kate Kane se casara con Maggie Sawyer, porque sí, su protagonista era uno de los pocos personajes femeninos power que habían quedado en DCU y uno de los personajes LGBT más destacados del mundo de los comics.

Así, DC Comics no deja que se case, luego le pone historias con vampiros, viajes espaciales y un nuevo equipo -todas temáticas precisas para este personaje- y luego la cancela porque ya no rinde.

Según dcwomenkickingass podría volver después de Convergence, pero se ve difícil para Kate después de lo que costó que saliera el personaje la primera. Una pena no sólo por la belleza de la serie cuando comenzó ( 8/10 al primer número en mi review) y la fuerza e impacto del personaje sino también por mi editorial favorita de superhéroes que sigue disparándose en el pie.

Adiós Kate, adiós DC Comics.